Coloso.

01. Bienvenida y descripción del curso- Introducción al instructor, objetivos del curso y una vista previa del recorrido final. - Mentalidad creativa básica: la creatividad como práctica e inspiración que sigue a la acción, y el uso de métodos "dentro de la caja" para generar confianza. - Cómo la estructura, las referencias y una mentalidad profesional reducen la sobrecarga y ayudan a terminar las canciones de manera efectiva.

02. Herramientas, configuración y cómo seguir la CLASS- Herramientas esenciales para el curso - Preparación de una sesión de proyecto limpia - Guía paso a paso del flujo de trabajo para mantener la organización y evitar el perfeccionismo durante el proceso de aprendizaje

03. Forma y estructura: comprender el flujo emocional en las canciones- Analizar canciones existentes para comprender cómo la forma, la repetición, el contraste y las transiciones influyen en el impacto emocional. - Identificar cómo las secciones evolucionan a través de la energía, la textura, la instrumentación y la intensidad, en lugar de solo los acordes. - Aprender a reconocer las subidas, bajadas y el ritmo emocional como herramientas que guían la atención y los sentimientos del oyente.

04. Fundamentos musicales: ritmo, armonía y melodía- Conceptos rítmicos fundamentales, como tempo, métrica, compás y groove. - Ideas armónicas esenciales, como escalas, intervalos, tipos de acordes e inversiones. - Fundamentos melódicos centrados en el contorno, el rango, la tensión y la relajación.

05. Visión y planificación de la canción: Eligiendo una dirección- Definir el tono emocional y visual que guiará todas las decisiones de composición y producción. - Traducir ideas y referencias musicales en una dirección creativa clara - Bloqueo de una plantilla de forma, rango de tempo, Tipo de groove y estado de ánimo armónico

06. Configuración de la sesión: tempo, clave y marcadores- Explicar por qué pensar con criterio primero te da libertad después. - Aplicar el tempo, la tonalidad y el compás elegidos a la sesión de DAW. - Crear marcadores basados ​​en la forma de la canción seleccionada para definir secciones con claridad. - Preparar un espacio de trabajo limpio y sin distracciones para tomar decisiones rápidas al componer.

07. Construyendo la base armónica- Diseñar progresiones de acordes en cada sección de la canción utilizando la estructura planificada. - Ajustar las voces y las inversiones para crear un movimiento fluido y contraste. - Establecer una continuidad armónica que apoye la dirección emocional de la canción.

08. Estableciendo ritmo y groove- Crear una base rítmica que defina la energía y el movimiento de la canción. - Explorar el ritmo, los acentos y la subdivisión sin centrarse en el diseño de sonido final. - Alinear el ritmo con las secciones de la canción para favorecer la tensión y la relajación.

09. Redacción de la idea musical central (gancho o motivo)- Desarrollo de una idea melódica o instrumental central que represente la identidad de la canción. - Utilizar la armonía y el ritmo juntos para crear frases musicales memorables. - Capturar ideas rápidamente sin pulirlas para mantener el impulso creativo

10. Primer pase de demostración completo- Conectar todas las secciones en una maqueta continua de la canción. - Evaluar la fluidez, la energía y la claridad emocional en toda la estructura. - Identificar áreas que se deben refinar en secciones posteriores sin sobreeditar los borradores iniciales.

11. De la mentalidad de demostración a la de producción- Comprender la transición de las decisiones de composición a las de producción - Identificar qué elementos necesitan mejorarse, reforzarse o eliminarse - Definir un objetivo de producción basado en la dirección emocional de la canción

12. Selección de instrumentos y roles sonoros- Selección de instrumentos según el registro, la función y el propósito emocional - Asignación de roles sonoros claros para evitar la sobrecarga de frecuencias y arreglos - Creación de contraste entre secciones mediante la elección de la instrumentación

13. Fundamentos de sintetizadores y diseño de sonido- Diseñar o seleccionar sonidos de sintetizador que complementen la identidad de la canción. - Dar forma al timbre mediante envolventes, filtros y modulación. - Saber cuándo personalizar los preajustes o empezar desde cero.

14. Texturas, samplers y efectos para el movimiento- Uso de samplers, texturas y efectos para añadir movimiento y atmósfera. - Creación de transiciones con contrahuellas, caídas, reversos y microelementos. - Aplicación creativa de efectos para dar forma a la profundidad, el espacio y el impacto emocional.

15. Cómo escribir una melodía vocal memorable- Técnicas para escribir ganchos melódicos fuertes y frases emotivas - Refinar el flujo melódico cantando o audicionando ideas sobre el instrumental terminado - Usar secciones de la canción para guiar el rango, el contorno y la intensidad de la melodía

16. Escribir letras que se ajusten a la visión- Traducir el concepto emocional de la canción en temas líricos claros. - Adaptar la fluidez silábica y el fraseo a la melodía vocal y la estructura de la canción. - Abordar la narrativa lírica con un estilo propio de Vocaloid y J-Pop.

17. Armonías y dobles- Escribir armonías, dobles y capas vocales de apoyo - Crear una armonía vocal cohesiva que apoye la melodía principal sin sobrecarga - Decidir dónde las capas vocales mejoran el impacto y dónde la simplicidad funciona mejor

18. Producción de Vocaloid (Afinación y expresión)- Demostración de un flujo de trabajo de afinación vocal completo utilizando Vocaloid 6 o Synthesizer V - Dar forma a la expresión a través de curvas de tono, vibrato, dinámica y control de fonemas. - Desarrollo de una interpretación vocal expresiva que se ajuste a la identidad de la canción.

19. Balance First: Volumen, paneo y ajuste de ganancia- Establecer una correcta puesta en escena de la ganancia y un balance inicial del volumen en todos los elementos. - Usar la panoramización para crear amplitud, separación y claridad antes del procesamiento. - Aplicar la automatización del volumen para controlar la energía y mejorar el flujo musical.

20. Dar forma a la mezcla: ecualización, compresión y saturación- Uso del ecualizador para limpiar, dar forma y separar elementos dentro de la mezcla - Aplicación de compresión para controlar la dinámica y mejorar la consistencia - Adición de saturación armónica para aumentar la presencia y el carácter

21. Creando espacio: reverberación y retardo- Usar reverberación y retardo para crear profundidad, amplitud y espacio emocional. - Colocar elementos hacia adelante o hacia atrás sin perder claridad. - Tratar los efectos basados ​​en el tiempo como parte de la narrativa de la canción.

22. Movimiento, modulación y pulido de la mezcla final- Uso de efectos de modulación como chorus, flanger y phaser con buen gusto. - Incorporación de movimiento sutil mediante automatización y modulación. - Escucha final, corrección de áreas problemáticas y preparación de la mezcla para la masterización.

23. Dominando el flujo de trabajo para tu canción terminada- Comprender el papel de la masterización y cómo se diferencia de la mezcla. - Aplicar una cadena de masterización limpia utilizando ecualización, compresión, saturación y limitación. - Preparación de archivos de Audio finales para transmisión, intercambio o uso en portafolios.

24. Revisión final y reflexiones finales- Revisar el proceso creativo completo, desde la mentalidad hasta el master final. - Reforzar la importancia de la constancia, el proceso y la finalización de las canciones. - Animar a los estudiantes a confiar en su gusto, aceptar la imperfección y seguir creando.