01. Introducción y objetivo del curso- Descripción general del curso y lo que los estudiantes lograrán - Desglose de los productos finales: 1 diseño de personaje + 2 ilustraciones completas - Para quién es este curso: artistas principiantes e intermedios que buscan hacer crecer su portafolio. - Descripción general de herramientas: configuración de Photoshop, tipos de pincel , organización de capas - ¿Qué hace que este proyecto esté "listo para la cartera" y sea relevante para las líneas de negocio de la industria?

02. Fundamentos de la Perspectiva para la ilustración- Demostrar cómo construir entornos simples utilizando formas. - Mostrar cómo la Perspectiva afecta la narración y la profundidad.

03. Fundamentos de anatomía para la Posado y el equilibrio de personajes (Daz Studio / Blender)- Uso de herramientas 3D para ayudar con ángulos complejos y escorzos

04. Teoría de la composición: Regla de los tercios, punto focal, movimiento- Rompiendo la regla de los tercios para la narrativa visual - Ubicando puntos focales para guiar la mirada del espectador - Usando el ritmo de las formas y las líneas direccionales para crear movimiento

05. Fundamentos de luz y sombra para la narración y la forma- Comprensión de la lógica de la luz: luz principal, luz de relleno, luz de borde, luz ambiental - Demostración de sombras proyectadas y sombras de forma - Explicación de cómo la luz crea ambiente y volumen 3D

06. Ejercicios rápidos de calentamiento para líneas, formas y valores- Ejercicios sencillos de confianza en la línea y control de forma. - Practicar escalas de valores y transiciones de luz a oscuridad. - Control y observación de edificios antes del trabajo de ilustración .

07. Cómo empezar: Encontrar ideas y temas- Lluvia de ideas, palabras clave o temas - Convertir ideas en objetivos visuales narrativos

08. Moodboarding con referencias de una sólida biblioteca visual- Comprender los tipos de referencias (pose, vestuario, estado de ánimo). - Crear un moodboard con un tono y una atmósfera consistentes.

09. Organización y aplicación de referencias para diseño, color y atmósfera- Separar referencias por función de diseño - Preparar un set de referencia que respalde su ilustración final - Combinar múltiples referencias en ideas originales - Crear miniaturas o borradores de conceptos utilizando su tablero de referencia

10. Explorando formas y siluetas para personajes únicos- Estudiar cómo el lenguaje de las formas afecta la personalidad del personaje. - Crear de 3 a 5 variaciones de siluetas para probar la dirección. - Comparar siluetas para determinar la fuerza visual.

11. Diseñar vestuario y accesorios con la historia en mente- Desglosar el vestuario en capas funcionales - Diseñar equipo y artículos según el rol o el mundo del personaje - Usar referencias para enriquecer la narrativa a través de la ropa

12. Configuración de la paleta de colores que se adapta al tono general del mundo- Seleccionar colores armoniosos que combinen con el entorno y el estado de ánimo. - Evaluar el contraste, la reflexión del material y los tonos de piel y tela.

13. Pintar una hoja de personaje limpia y legible (Pose + Detalles)- Finalización del renderizado de cuerpo completo con pose y color legibles. - Simplificación de detalles sin perder la identidad del personaje.

14. Preparación del diseño del personaje para su uso en escenas completas- Descomponer el diseño en formas utilizables para la ilustración. - Realizar ajustes de diseño para la pose y flexibilidad de Iluminación .

15. Miniaturas de composiciones clave para el estado de ánimo y la historia- Dibujar 3 o 4 miniaturas con diferentes composiciones. - Explorando ángulos, enfoque y equilibrio de silueta. - Elegir uno para la ilustración final

16. Enmarcando al personaje dentro de su entorno- Uso de dispositivos de encuadre para apoyar la jerarquía visual

17. Diseño de elementos de fondo para apoyar al personaje- Gestión del espacio negativo y la profundidad - Simplificar los detalles para mantener la legibilidad de los personajes.

18. Planificación de la dirección y profundidad de la luz (estudios de valor)- Asignación de grupos de valores para el fondo, el plano medio y el primer plano - Dirigir la mirada del espectador con la Iluminación. - Uso de una escala de grises para probar la legibilidad de la luz

19. Coincidencia de tono visual en las dos próximas ilustraciones- Revisión de la paleta y el estado de ánimo desde el moodboard - Planificación de una Iluminación y atmósfera consistentes entre 2 obras de arte. - Construyendo armonía de colores para contar historias

20. Configuración de una escena cinematográfica basada en una historia con una composición completa- Convertir la miniatura en un lienzo completo - Revisar la distribución de la escena elegida y los puntos focales

21. Boceto, bloqueo y construcción de valor- Bloqueo de formas y figuras con líneas limpias. - Separación de zonas de valor para mayor claridad de la Iluminación . - Comprobación del equilibrio entre los elementos antes de renderizar

22. Refinando el lenguaje de la forma y la Perspectiva- Limpieza de formas rugosas para que coincidan con la intención del diseño. - Fortalecimiento de la legibilidad de las siluetas para la narración. - Aplicar corrección de Perspectiva a personajes y accesorios.

23. Representación del fondo, el personaje y la Iluminación en armonía- Pintar el fondo y luego superponer los personajes. - Crear una dirección de luz con una atmósfera consistente.

24. Equilibrar el enfoque entre el sujeto y el entorno- Usar el contraste, los bordes y la saturación para dirigir la mirada. - Asegurar que los personajes se lean bien en escenas complejas.

25. Puliendo los detalles manteniendo la claridad y la narrativa intactas- Retoque de pintura y efectos finales - Mejora de elementos de la historia

26. Planificación de una escena ampliada para un impacto emocional o cinematográfico- Seleccionar un momento o emoción en la que centrarse - Elección del estilo de composición (retrato, sobre el hombro, etc.) - Planificación del tono narrativo y el ambiente de Iluminación .

27. Reutilización del diseño de personajes y la paleta de estados de ánimo de obras de arte anteriores- Mantener la consistencia en la Iluminación y el color. - Ajustar la pose y la expresión según la emoción.

28. Dibujar la escena de primer plano con emoción intencional- Elaboración de un boceto limpio basado en la miniatura seleccionada - Refinar la pose, la expresión facial y el gesto para lograr claridad emocional. - Ajuste del equilibrio entre el personaje, el fondo y las zonas de Iluminación antes de renderizar

29. Ajuste de la composición para un encuadre y una narración más precisos- Gestión del espacio negativo y la profundidad en escenas más estrechas. - Uso de la Iluminación para guiar la atención del espectador

30. Controlar la atmósfera y los bordes para un enfoque fuerte- Uso del desenfoque, el grano y la pérdida de bordes para dirigir la atención - Potenciación del impacto emocional con luz y niebla - Equilibrio de la nitidez para lograr realismo y ambiente

31. Pulido final y efecto sutil (brillo, grano, textura)- Retoque y refinamiento final - Adición de superposiciones sutiles y efectos cinematográficos - Exportación de la escena de primer plano para su uso final

32. Cómo pintar materiales realistas vs. estilizados- Comparación entre realismo y estilización en la representación de texturas - Análisis del comportamiento del material en luz y sombra - Planificación del estilo de pincelada para lograr un ambiente y claridad

33. Piel, tela, metal, cuero, cabello y superficies ambientales- Demostración de cualidades superficiales en diversos materiales. - Reflectividad de la pintura, suavidad y lógica de la textura. - Desglose del comportamiento de la luz según el Tipo de superficie - Uso de pinceladas y control de bordes para crear textura

34. Técnicas de mezcla sin perder la forma- Usar mezclas suaves conservando la forma y la estructura - Evitar colores apagados y siluetas aplanadas - Mejores prácticas para degradados de transición

35. Cuándo simplificar vs. cuándo detallar- Saber adónde dirigir la mirada del espectador - Usar el contraste y la jerarquía de detalles para mayor claridad - Caso práctico: «legible» vs. «sobrecargado»

36. Clasificación de color de ambas ilustraciones para que se sientan unificadas- Igualar el tono, el contraste y la saturación generales - Usar capas de ajuste para lograr armonía visual - Asegurar que ambas imágenes se perciban como un solo mundo

37. Adición de elementos narrativos, claves narrativas- Reforzar la emoción o la historia de fondo a través de los detalles.

38. Presentación de su proceso: miniaturas, notas y trabajo final- Crear un diseño de presentación limpio - Estructurar tu PSD o PDF para mostrar tu proceso con claridad

39. Consejos para destacar en portafolios de juegos, animación o propiedad intelectual personal- Mantener la autenticidad y mostrar tus fortalezas - Cómo seleccionar tu trabajo para contar una historia sobre ti como artista - Cómo adaptar tu presentación según tu objetivo: buscar trabajo, presentar una propiedad intelectual o trabajar como freelance